Les Biographies

 Chirkov Alexey Sergeevich

(né en 1971 à Saint-Pétersbourg, Russie ) travaille avec la mosaïque en verre colorée plus de 15 ans et se spécialise en décoration d’intérieure. 

Les dernières anneés il crée des tableaux en son propre style – mosaïque picturale. Temps moyen pour créer un tableau  est environ cinq mois. Les portraits sont considérés comme ses meilleurs travaux. 

    À des moments divers ses tableaux ont été exposés à la Maison Centrale des Peintres à Moscou, à la Maison de l’Unuon des Peintres à Saint-Pétersbourg, à la galerie de mosaïque Tolstoï-square, etc. 

En mars 2011 du Tableau d’Alexeï étaient présentés à l’exposition à Paris ESPASE ART’S sous le Parrainage Monsieur à François-Louis Vuitton. 

Voici que, a écrit Nicole  LAMOTHE, le critique d’art connu français : 

        «Travailler la mosaïque et réaliser des compositions comme il le ferait avec de 

l’huile telle est l’aventure,réussie,de cet artiste. Ses compositions,en effet,apparaissent comme de véritables tableaux et témoignent d’une vraie maîtrise de cette technique difficile. Alexey Chirkov en fait un art d’aujourd’hui. 

    Sa passion pour ce medium remonte à ses quatorze ans ;elle est née,en partie de son admiration pour les mosaïques décoratives en marbre qu’il a vues à Saint-Pétersbourg. A vingt ans il fait la découverte des maîtres italiens de la Renaissance et son attirance pour le travail de la mosaïque se confirme. A cette époque l’occasion lui est donnée de rencontrer des architectes qui l’initient à la mosaïque en verre et avec lesquels il participe à la réalisation d’œuvres décoratives monumentales.Une belle expérience mais Alexey Chirkov souhaite aller plus loin : son but est de créer des œuvres qui ne sont plus de la décoration mais de véritables tableaux. Il est ainsi conduit à effectuer des recherches personnelles afin de rendre la transparence de la mosaïque qu’il a observée dans les vitraux des églises notamment. 

    La vraie technique de la mosaïque a disparu à la Révolution,l’artiste va la retrouver en Italie où il suit des cours de mosaïque florentine,puis il poursuit son voyage à Chypre,riche également de trésors. La mosaïque de verre correspond à ses aspirations par sa translucidité.   

Ce long cheminement,cette réflexion permanente ont engendré l’œuvre d’aujourd’hui. Sûr de sa technique,il peut à sa guise utiliser ce matériau fragile pour réaliser des « tableaux » véritables. Ses œuvres sont picturales avec leurs nuances multiples et leur grande richesse de détails réalisés en des tons variés à l’infini dans une harmonie toujours juste. Parfaitement construites,ses compositions possèdent une profondeur qui projette le sujet au premier plan même dans les petits formats. 

                            Avec patience,minutie et talent,Alexey Chirkov découpe des fesselles de différentes dimensions,les agence remarquablement et parfois en fait surgir l’or qui confère alors une rare préciosité au tableau.Il excelle dans des dégradés d’une grande subtilité  autant que dans la finesse des valeurs,ainsi des gris délicats deviennent nacrés : »Le Moulin Rouge ». Dans chacune de ses compositions animées de vie,les vibrations du verre engendrent la lumière selon les valeurs voulues par l’artiste qui module la couleur  diaphane ou plus forte en des passages délicats.  

Portraits,personnages ou immeubles sont traités en volume grâce à une conception technique personnelle. Alexey Chirkov joue sur la lumière qui change la perception de l’œuvre autant que les couleurs. Il peint la vie,le charme délicieux d’une petite fille au regard interrogateur ;on aime aussi la finesse du rendu de la dentelle de l’ombrelle de l’enfant.Il saisit avec vérité le visage d’un vieil homme en dégradés d’ocres lumineux. Tous les thèmes l’intéressent :la mythologie  avec « L’Enlèvement d’Europe » par exemple dans lequel il traduit  la course dynamique de Zeus métamorphosé en taureau s’élançant au-dessus des flots mouvants,aussi bien que la réalité quotidienne. Dans ses compositions,il alterne opacités et transparences afin de créer ombre délicate et lumière. 

    De cet art éternel,Alexey Chirkov crée une expression personnelle ;il réinvente la mosaïque dans une œuvre authentique,lumineuse et sincère qui,on le devine, s’épanouira encore au fil des années.» 

Au mois de mai 2011 ce tableau a été présenté pour la première fois à l’exposition de l’art moderne au Carrousel du Louvre et le public français l’a accueilli chaleureusement. 

– L’idée de ce tableau inhabituel en mosaïque est venue à l’artiste pendant ses méditations consacrées à l’influence de l’époque sur le monde entier. 

“Omnia mutantur, nihil interit – Tout est changeant, rien ne disparaît »… 

Il a pris comme base un portrait, crée au début du siècle précédent. Mais la vision de l’artiste l’a transformé. Une œuvre tout à fait différente est née. 

    L’artiste a réussi de transmettre les plus petites nuances de l’intérieur du palais, mais, en même temps, de les laisser à l’arrière-plan, sans empêcher la perception de ce qui est l’essentiel dans le tableau – l’expression du visage et surtout le regard fixe. La lumière venant de la fenêtre passe à travers les rideaux mis-clos, en créant l’ambiance de la présence vive. Dans cette œuvre, l’artiste a touché la perfection, ce qui est exprimée dans sa technique, toujours unique. Malgré l’utilisation de plus petits détails, sa technique reste uniforme, l’image ne se disperse pas, même si on la voit de près. Le caractère volumineux, transparent et réflexible du verre joue ici un rôle éminent. Le tableau se transforme en permanence, en fonction du jeu de la lumière et du point de vue. Il vit… 

    Le sujet historique, réanimé par le personnage d’aujourd’hui, lié aux destins de l’univers, nous entraîne dans les pensées consacrées à la matière du temps – à sa nature et à son influence sur l’humanité. L’idée du tableau – c’est la liaison entre le présent et le passé, qui ne s’interrompt pas, même pour une seconde. C’est également l’idée de l’Univers, qui est responsable non uniquement du présent et de l’avenir, mais du passé. 

                      La philosophie du tableau – ne pas montrer la confrontation des époques, mais évoquer leur conciliation. Une telle conciliation est indispensable pour continuer le parcours créateur. 

Cette idée est developpée dans les œuvres suivantes du peintre. 

L’année 2012 est annoncée en France comme l’Année de Napoléon.  Cet hommage a inspiré l’artiste à la création du nouveau tableau – «2012». La personnalité de Napoléon, son caractère historique accumule la fierté de la nation française et même aujourd’hui l’esprit des Français reste sous l’influence de cet homme grandiose. Le peintre a exprimé, dans son œuvre monumentale, la fusion de deux époques – napoléonienne et contemporaine. 

Ce tableau s’offrit aux yeux des spectateurs pour la première fois en exposition au Grand Palais de Paris. 

 Irina ALAVERDOVA  

www.alaverdova.com 

e-mail: ialaverdova1@gmail.com tel : +7 903 7203281 ou +33 06 43176953 

Née à Moscou.  Membre de l’Union des artistes de la Russie 

Membre actif de l’Académie Sv.Bonifatsiya au Vatican (Rome, Italie) 

Docteur honoraire des Arts Academy Pro Deo au Vatican (Rome, Italie) 

Membre de l’Académie Internationale d’Art (Moscou, Russie) 

Membre actif de l’Académie européenne des sciences naturelles (EANS, Hannover, Allemagne) 

 Les œuvres se trouvent dans des collections: des Musées du Vatican,  du muse-reserve etatique de Vladimir-Souzdal, du Fond russe de la culture, du Musée d’Art Moderne, du Musée d’Art Contemporain du Haut-Karabakh, du Musée d’Etat de Khanty-Mansiysk, ainsi que dans des collections privées de la Russie, de la Suisse, de Monaco, de la France, de Bretagne, des Etats-Unis , de la Tchèque. 

2004 Prix de la Coupe nationale de Monaco. 

2005 Prix de l’Exposition Internationale de Nice (France) pour l’oeuvre dans de technic pastels. 

2007  Médaille de EANS « Leonardo da Vinci » de l’Académie européenne des sciences naturelles 

2008  Grande Médaille d’Argent “Goethe” EANS. 

2009 Médaille de l’Académie internationale des arts pour sa contribution au développement de la science et l’art. 

Médaille de Sats. Académie Internationale d’Art.Moscou 

2011 Premier Prix pour pour l’oeuvre dans de technic pastels au festival international en France. 

  Sa Sainteté le Pape Benoit XVI a donné une bénédiction apostolique sincère priant pour la grâce généreuse de Dieu. 

 Galina Didur

Galina Didur (also known as Galina Dor) was born in Kharkov, Ukraine, in 1961. From an early age, she developed interest and curiosity in the Fine Arts, and very naturally she attended an Art School (1978-1982). Between 1982 and 1985 she studied at the Art High School and from 1985 to 1990 at the Kharkov Art Academy, choosing as a major Monumental Decorative Painting. In 1994 Galina immigrated to Israel. Beginning her artistic journey, she joined the “Tzlaliot” group in Kharkov. The group developed a unique approach toward form, based on the principles of the Avant-Garde and figurative styles, following the analytic school of Pavl Filonov, characterized by a mystic method of painting. While in Italy, Galina was given the opportunity to see and study the Frescoes of the Italian Renaissance Artists. Consequently, Galina’s art style and techniques changed, becoming more tangible and clear, with greater emphasis on texture. Therefore, she began to create a base and an infrastructure for her tempera painting, which would facilitate in creating effects of crevices, similar to the Frescoes. In order to reach this kind of effort, Galina utilizes gold color in the early stage of the paintings, so the observer could sense the rays of light rising and flaring out of the crevices. By this technique, Galina attempts to present a metaphor, in which the whole world is cracked and obsolete. The themes of her works are all connected to historical and Biblical events; Jewish and universal on the one hand, portraits, views and abstract themes on the other. The frames of the paintings are of great importance to Galina. The frame is a connector between the subjects of the paintings and their physical presence. The frames are an integral part of the paintings and are related to the characters located in the paintings. This, a sense of the paintings’ characters breaking out the boundary between the real and the possible is created, giving the impression that the characters live independently.